Sur le Web

Suivant les traces de sa réverbe spectrale Aurora, le fabricant de synthés modulaires Qu-Bit Electronix est fier de nous présenter Nautilus. Développé autour d'un retard stéréo composé de huit lignes indépendantes, ces dernières pourront être connectées et synchronisées de manière originale, afin d'agir tel un réseau de retard complexe. Mais ce qui rendra Nautilus si spécial dans le paysage modulaire densément peuplé d'aujourd'hui, c'est son grand nombre de possibilités d'effets. Ce dernier sera capable de produire aussi bien des retards scintillants décalés, des polyrythmies en constante évolution, mais aussi des échos déformés qui sentiront bon le passé, le tout avec une interface particulièrement intuitive, et dépourvue de tout ce qui pourrait introduire le doute dans votre esprit. Par exemple, le coeur du réseau de retard de Nautilus a été construit de façon standard : un signal d'horloge est généré soit en interne à l'aide du bouton d'horloge "tap tempo" au centre du module, soit en externe via l'entrée d'horloge (entrée gate) juste en dessous. Mais les éléments de base du système de retard seront : les commandes de résolution, qui détermineront la division ou la multiplication d'horloge appliquée au processeur de retard, et la rétroaction, qui elle, déterminera le nombre de répétitions que vous aurez sur votre ligne de retard (de un à l'infini). De plus, ces mêmes fonctions de base pourront produire des résultats incroyables si l'envie vous prend de vouloir utilise ses entrées CV et gate associées.

Inspiré par l'océan et l'exploration marine, le nom de Nautilus est directement dérivé du sous-marin du roman de science-fiction de l'écrivain français Jules Verne, Vingt mille lieues sous les mers. Qui dit exploration, dit forcément trouver les voies par lesquelles le son voyagera et interagira avec son environnement. Aussi ambitieux que cela puisse paraître, al chose a été rendue tangible par la conception du réseau de retard du Nautilus, lequel est formé d'une multitude de lignes de retard, mais aussi de moyens pour les manipuler. Grâce à la possibilité d'avoir jusqu'à huit lignes de retard co-dépendantes (quatre par canal stéréo et se produisant simultanément avec jusqu'à 20 secondes d'audio chacune), Nautilus y ajoutera également un contrôle synchronisé au tempo de l'espacement entre chaque retard. C'est grâce à ses capteurs et ses fonctions de dispersion que Nautilus sera capable de transformer une simple ligne de retard, en cacophonies sonores incroyablement complexes mais magnifiquement cohérentes. Ceci étant dit, chaque ligne de retard aura également la capacité d'être inversée, grâce à une fonction d'inversion de capteur incrémentiel intégrée au module.

Si cela ne suffisait toujours pas à vous mettre des étoiles dans les yeux, séachez que vous pourrez apporter encore de la complexité supplémentaire à l'aide de récepteurs chromatiques et de profondeur embarqués. Ces derniers appliqueront une multitude de processeurs d'effets internes dans vos lignes de retard, permettant ainsi à ses utilisateurs, de modifier davantage leur réseau de retard sous-nautique, afin d'émuler les différents matériaux et terrains aquatiques que le sonar de Nautilus aura traversé, via des interférences numériques et bien plus encore. Chaque effet (y compris les filtres, la distorsion et la coloration), sera appliqué indépendamment des lignes de retard. Cela signifie que les utilisateurs de Nautilus pourront utiliser tous ses effets à l'aide de CV, puis les appliquer intentionnellement directement sur leur réseau de retard.

Nautilus fournit une abondance de comportements, de rétroaction stéréo, en plus de la configurabilité existante (y compris d'un retard de style ping-pong, de retards en cascade et Adrift, d'un style de retard sinueux au son unique, et même d'une sélection de modes de retard permettant l'accès aux faded delays qui supprimeront l'effet Doppler trouvé sur des retards plus standards lors du changement de la fréquence, d'un Doppler delays, d'un pitch-shifted up shimmer delay, et d'un pitch-shifted down "de-shimmer" delay.

Heureusement, les fonctions performatives embarquées du module viendront en aide en cas de surcharge des capteurs. Il sera possible par exemple de geler vos lignes de retard, de les verrouiller en place avec la fréquence d'horloge désirée, ou même de les effacer complètement à l'aide du bouton de purge, agissant comme une fonction d'effacement unique qui rendra la réinitialisation des retards de votre Nautilus à la fois simple et agréable à l'oreille. Même si Nautilus aura besoin d'une entrée audio pour fonctionner, il servira également de source de modulation à part entière. Ainsi, les utilisateurs pourront capturer sa sortie sonar, et l'utiliser pour s'auto-patcher, ou contrôler d'autres points de leur système modulaire, afin de piloter d'autres parties d'un patch via les "pings" du réseau de retard, ou encore se servir de la topographie générée comme source de modulation. Cela dit, la sortie générée de manière algorithmique, pourra aussi créer une sortie évolutive et unique en son genre, pour rendre vos patchs hyper créatifs et inimmitables.

Nautilus héberge deux atténuateurs distincts, fixés sur ses entrées de dispersion et de rétroaction. En effet, il s'agit bien plus qu'un simple module offrant des fonctions fixes. Tout d'abord parce qu'il est conforme à la philosophie de Qu-Bit Electronix de toujours concevoir ses produits en gardant à l'esprit la possibilité de personnaliser encore et encore son module via des fichiers texte injectés par USB ajoutant de nouvelles fonctionnalités, jusqu'à la très ambitieuse implémentation open source de Nebulae. Profitant également d'une application open source gratuite permettant aux utilisateurs de configurer une multitude de paramètres et de fonctions, Nautilus deviendra très rapidement un outil dont vous ne pourrez plus vous passer. Mais revenons brièvement à nos fameux atténuateurs. Ils seront tous assignables (non seulement à n'importe quelle entrée du module), mais pourront eux-mêmes se voir attribuer diverses fonctions, telles que la division des résolutions des canaux gauche et droit. Et comme si cela ne suffisait pas, la sortie du sonar sera à même de créer un signal CV ou gate unique, lequel sera généré de manière algorithmique à partir de ce qu'il trouvera, et sera configurable sous différentes formes (suiveurs d'enveloppe, déclencheurs, modulation additive, etc). Il vous sera parfaitement possible, par exemple, de modifier le comportement du Freeze Gate, ou de modifier la plage des boutons de n'importe quel paramètre. En d'autres termes, ses utilisateurs auront tout le loisir de choisir les paramètres à utiliser, puis via l'application Web, d'exporter un simple fichier qui pourra être enregistré sur la clé USB du module, pour ainsi mettre automatiquement à jour ses paramètres. Ici pas d'histoire de commandes à réaliser spécifiquement, de boutons à manipuler suivant une séquence particulière, pas de redémarrage, etc, ça marche de façon transparente et efficace !

Selon Andrew Ikenberry, co-fondateur et PDG de Qu-Bit Electronix, "Nautilus est le processeur de délai que le monde Eurorack attendait", puis termine son propos de la façon suivante : "Grâce aux avancées récentes des processeurs embarqués, nous avons pu créer un algorithme de retard sophistiqué encore jamais été produit sur du matériel hardware. Nautilus est capable de créer des mondes entiers de sonorités, et ressemble certainement à bien plus qu'un simple processeur d'effets lambda".

Dès son lancement prévu pour le 6 octobre 2022, Nautilus sera disponible en précommande auprès de votre revendeur préféré au prix de 399$, ou directement via le lien se trouvant juste ICI. Notez également que pour chaque vente d'un Nautilus, une partie des bénéfices ira à la conservation des océans et des côtes via la Fondation Surfrider.

Le développeur Allemand Fuse Audio Labs vient d'annoncer la sortie d'une tout nouveau plug-in : le VREV-305. Conçu à partir d'une réverbe à ressort emblématique et rare datant des années 70, et installée autour d'un réservoir comprenant pas moins de 12 ressorts individuels avec une temporisation égale, et suivant une progression logarithmique très similaire à l'échelle musicale, cet outil vous permettra de produire des textures uniques qui pourront être façonnées au travers d'une matrice de réglage compacte et particulièrement puissante.

La chambre à ressort du plugin VREV-305 va vous permettre de produire une série harmonique de motifs de réflexion, lesquels se traduiront par des queues de réverbération luxuriantes et denses, mais sans les artefacts nasillards typiques des ressorts. Cela dit, vous pourrez adapter l'ambiance aux signaux individuels grâce à une section d'égalisation simple mais très musicale. De plus, le plugin vous donnera la possibilité de supprimer définitivement la limitation de temps de décroissance fixe imposée par le matériel à partir duquel il est destiné. Mieux encore, le VREV-305 offre également des paramètres de PREDELAY séparés par canal, ainsi que des options de sommation stéréo commutables (à la fois avant et après le système à ressorts).

De toute évidence, la flexibilité du VREV-305 sera un outil de premier choix pour de très nombreuses sources. En effet, il sera particulièrement bien adapté pour travailler sur des batteries, des guitares et des voix, et sa topologie à 12 ressorts produira des alternatives intéressantes aux réverbérations utilisées par défaut sur la plupart des productions actuelles. En d'autres termes : les utilisateurs qui apprécieront les réverbes ressorts et à plaques, et qui chercheront à obtenir des textures de réverbération fraîches et facilement réglables, auront probablement sous la souris, le couteau suisse dont ils auront toujours rêvé. Le PDG de Fuse Audio Labs, (Reimund Dratwa), a déclaré au sujet de son petit dernier: "Le 305 est un chef-d'oeuvre mécanique super inspirant, il était donc naturel de déployer tous nos efforts pour reproduire le son signature complexe et unique de ce dernier sur notre plugin, tout en élargissant les possibilités du concept original".

Le VREV-305 est dores et déjà disponible au prix promotionnel de lancement de seulement 29$ jusqu'au 23 octobre 2022 (soit une remise de 50% sur le prix normal qui est lui de 59$), juste ICI. Notez que des versions d'essai de 14 jours de tous les plugins Fuse Audio Labs, sont également disponibles en téléchargement gratuit juste ICI.

Spitfire Audio est fière une fois de plus, d'annoncer la disponibilité d'une toute nouvelle librairie batisée FRACTURED STRINGS. Créé en étroite collaboration avec Bleeding Fingers Music, qui n'est autre qu'un collectif de compositeurs lauréat d'un Emmy Award et nominé aux BAFTA, cette librairie introduit une toute nouvelle approche des articulations dédiées aux cordes de chambre. Avec un ensemble de 10 instrumentistes tous enregistrés au sein de l'acoustique inégalée du Lyndhurst Hall des légendaires studios AIR de Londres, Spitfire Audio vous le propose dans son playeur maison, compatible avec les formats AAX, AU, VST2 et VST3 (supportant également le protocole NKS). Offrant pas moins de 15 signaux distincts ainsi que des possibilités d'intervalles infinies, cette bibliothèque vous permettra d'infuser tous les gestes, sauts, et motifs.

Présenté comme une sorte de voyage au travers de mondes terrestres gelés, et abritant une faune unique et remarquable, il n'est finalement pas étonnant que Bleeding Fingers Music, (basé à Santa Monica en Californie), prenne non seulement en charge des scènes de silence gelé, mais aussi des scènes d'action, de tension, de crises et de drames, lorsque les compositeurs Hans Zimmer, James Everingham, et Adam Lukas, ont commencé à composer Frozen Planet II, la série documentaire sur la nature britannique, et diffusée en 2022, et coproduite par la BBC et l'Open University dans la suite de Frozen Planet sortie en 2011.

Voici ce qu'en disent James Everingham et Adam Lukas : « Au début du processus de composition de Frozen Planet II, nous avons examiné les motifs relatifs à la glace qui éclate et l'individualité des flocons de neige. En créant FRACTURED STRINGS, nous avons travaillé en étroite collaboration avec l'équipe Spitfire Audio, mais aussi les meilleurs instrumentistes de Londres, pour représenter ces phénomènes naturels dans des performances musicales, créant une boîte à outils qui est devenue la base de notre partition".

Alors me direz-vous : qui se pourrait se trouver le mieux placer pour présenter officiellement FRACTURED STRINGS, si ce n'est le co-fondateur de Spitfire Audio, Paul Thomson : "c'est notre toute dernière collaboration avec Bleeding Fingers Music, et il s'agit d'un ensemble unique et original réalisé pour l'émission de la BBC Frozen Planet II. Cette librairie représente une énorme quantité d'articulations et de gestes spcifiques aux cordes, que nous n'avons jamais enregistrés auparavant, et que vous ne pourriez pas reproduire très facilement avec les bibliothèques de cordes existantes".

En effet, le son qui en résulte en fera le compagnon parfait pour d'autres bibliothèques de la marque, et enregistrées dans les studios AIR telles que ALBION NEO, ÓLAFUR ARNALDS CHAMBER EVOLUTIONS, et SPITFIRE CHAMBER STRINGS. Mais FRACTURED STRINGS vit vraiment dans un monde qui lui est propre, comme en témoignent les nombreuses fonctionnalités clés mises en évidence dans les différents modes d'affichage disponibles au sein même de son interface utilisateur. Ses sept modes diatoniques joueront chacun leur rôle dans le déroulement musical. D'ailleurs, Paul Thomson attire toutefois votre attention sur un mode en particulier : "Une nouveauté que nous avons développée spécifiquement pour cette bibliothèque s'appelle SCALE MODE, et sélectionnera intelligemment les bons échantillons, afin que vous puissiez vous conformer à une gamme que vous aurez renseigné directement sur l'interface utilisateur. Si je joue doucement, j'obtiens le plus petit intervalle, mais si je joue plus fort, j'obtiens cette fois-ci un intervalle plus large. Ainsi, pendant que le moteur sélectionne les échantillons les plus adéquats pour se conformer à l'échelle choisie, chacun d'entre eux sera ensuite trié par vélocité, de sorte que lorsque vous jourez, et en fonction de la pression que vous exercerez sur votre clavier, vous obtiendrez différents types de textures incroyablement créatives et inspirantes. Nous avons également mis l'accent sur le contrôle de la dynamique, ce qui vous permettra aussi de façonner votre matière sonore aussi facilement que vous le souhaiterez.

Et comme si cela ne suffisait pas, FRACTURED STRINGS est livrée avec pas moins de :

* 54 articulations de violon comprenant 15 instructions
* 10 éclats (haut/bas)
* 14 rotations (haut/bas)
* sept dispersions
* trois courts métrages déclamatoires
* deux Pizzicato Strums
* trois 7e portées
* 51 articulations Celli comprenant 15 instructions
* 10 éclats (haut/bas)
* 14 rotations (haut/bas)
* sept dispersions
* trois courts métrages déclamatoires
* deux Pizzicato Strums

L'interface utilisateur offre quant à elle un accès simplifié à une multitude de fonctionnalités clés, y compris aux 15 signaux distincts, à des paramètres de micro, et à un mode GRID déjà familier des utilisateurs de produits de la marque (Evo). Sans oublier les "42 fractures" de violon (fioritures orchestrales, couvrant 10 variétés d'accords), neuf Articulations Solo Violin (arpèges sur une gamme d'accords), et neuf articulations Solo Celli (concernant également des arpèges sur une gamme d'accords).

Comme le souligne le co-fondateur et PDG de Bleeding Fingers Music, Russell Emanuel : "La création de ces instruments en partenariat avec Spitfire Audio est ce qui distingue nos partitions sur des projets phares comme ceux de la BBC Natural History Unit. En tant que boîte à outils, cette librairie est devenue la base de la partition de Frozen Planet II. FRACTURED STRINGS a clairement réussi sa mission en venant soutenir non seulement des scènes de silence gelé, mais aussi des scènes d'action, de tension, de crise et de drames".

FRACTURED STRINGS vous demandera néanmoins de prévoir ou de faire de la place sur votre disque dur (de préférence un SSD il en va de soi), car la dernière née de Spitfire Audio pèse pas moins de 88,1 Go de données. Disponible sous la forme d'un plug-in compatible AAX, AU, VST2 et VST3, mais aussi avec le protocole NKS de Native Instruments, Spitfire Audio vous la propose au prix promotionnel limité dans le temps de 229€ jusqu'au 13 octobre 2022, au lieu de 299€). Pour plus de détails, je vous invite à cliquer sur le lien suivant juste ICI.

Une fois n'est pas coutume, nous profitons de l'occasion qui nous a été donnée, pour vous faire découvrir une structure qui de part ses prestations (musicales mais pas que), rencontre un franc succès depuis déjà un bon moment. Mais qui se cache derrière FFWL Music me direz-vous ? Et bien comme le souligne les 4 premières lettres (From France With Love), ces dernières revendiquent non seulement son appartenance à notre beau pays, mais aussi sa passion pour la musique au sens large du terme. Finement sélectionnée, l'équipe de FFWL Music se compose exclusivement de professionnels du secteur (ils n'ont d'ailleurs laissé aucune place au doute), en ayant recours aux talents d'artistes tous reconnus et présents dans le monde de la musique, mais aussi de la stratégie digitale, de la relation presse et de la direction artistique. Finalement faire appel à leurs services, c'est confier le bébé à une famille qui prendra en charge tout ce dont vous n'aurez pas à vous soucier, et donc vous focaliser sur ce que vous savez faire de mieux. Parmi toute l'équipe, c'est avec Lionnel Vasseur (le fondateur de cette structure), que nous avons pu nous entretenir et poser nos questions, afin de vous faire découvrir plus en détails ce qu'est FFWL Music, et même un peu plus. C'est parti !

Bonjour Lionnel et merci d'avoir accepté notre invitation. Avant de rentrer dans le vif du sujet, pourrais-tu nous parler de toi et de ce qui t'a amené à la musique?

Tout d’abord, merci à toi Alex pour ce que tu fais au sein de Logic-Nation, c’est vraiment top ! Vers mes 20 ans, alors que le sport de haut niveau était toute ma vie, une très grave blessure a mis un terme à mes ambitions de professionnalisation dans la discipline du 400m. M’en est resté le goût de l’effort, de la rigueur et du dépassement de soi-même. J’étais musicien amateur et j’ai décidé de me lancer à cent pour cent dans la voie de l’enregistrement sonore en y consacrant tout mon temps et mon énergie. J’ai trouvé un stage dans un studio analogique classique où on faisait vraiment tout type de séances (musique, voix off, jingles pub) ce qui m’a permis d’avoir un premier vernis technique même si la plupart du temps, je ne comprenais pas grand chose à ce que l’on me demandait de faire ! A la fin de ce stage, j’ai acheté un setup mobile avec une console, trois magnétos portables ; je me suis mis à enregistrer littéralement tout ce qui se présentait autour de moi dans des conditions acoustiques très variées au fil des opportunités : rock, pop, musique folklorique, duo vocal, piano/voix... J’ai ainsi acquis beaucoup d’expérience concernant la prise de son : j’avais obligation de faire sonner dès la prise et la mise à plat, prendre soin de l’esthétique sonore... Souvent, mes mixes étaient vraiment moins bien. Et puis tout s’est enchaîné très vite : mon premier studio à Lyon, puis un deuxième plus vaste, ainsi qu’une structure dans ma première maison, etc... Beaucoup d’allers / retours à Paris jusqu’à s’y installer en devenant free- lance une petite dizaine d’années avec de nombreuses collaborations et nous voilà en 2022 !

Avant d'évoluer dans ta toute nouvelle structure, pourrais-tu nous parler des différents lieux que tu as successivement occupés ? Qu'est-ce qui a motivé successivement ton envie de changement ?

J’ai eu beaucoup de configurations très différentes, souvent basées sur un parc à géométrie variable de machines analogiques selon les besoins. J’ai longtemps été free-lance, je n’avais donc pas le choix, j’ai travaillé essentiellement sur SSL 4000, Euphonix CS 2000-3000, Trident, Neve, API, mais aussi des configurations hybrides type studio de producteur. J’avoue ne pas y apporter de trop grande importance : un nouveau studio est toujours un challenge. On en retire toujours une nouvelle expertise.

Qu'est-ce qui t'a poussé à lâcher le concept de console "classique" (tu avais une superbe Euphonix CS2000), pour un environnement full hybride ? tu y as gagné en terme d'ergonomie et de workflow ?

Comme je le disais précédemment, je n’ai pas toujours eu que des studios avec consoles à disposition : j’oscillais entre travail sur console et setup hybride car les deux possèdent des forces et faiblesses complémentaires. Par contre, un parc de périphériques choisis avec soin fera toujours à mes yeux incontestablement la différence, quelle que soit la configuration. Le fait de m’installer définitivement à Paris m’a offert une opportunité que je ne pouvais pas rater : une superbe cabine aux pieds du quartier de La Défense, en face de l’immeuble de la SACEM dans un complexe multimédia moderne... On a foncé ! La prise d’un local en plein confinement en juillet 2020 a été un pari, que nous sommes en train de gagner ! La configuration actuelle full hybride s’est faite finalement assez naturellement : d’abord avec une v1 extrêmement basique avec essentiellement un SPL Iron et une paire de Neve 1081 et quelques préamps / micros jusqu’à passer en v2 l’été dernier avec le parc actuel de machines, une quarantaine de machines analogiques toutes pré-câblées sur un Protools Ultimate via des convertisseurs Lynx Aurora 16 et une écoute Neumann KH 420 / Grace Design M905. A mes yeux, la machine ou le plugin qui me donne instantanément l’émotion que je recherche fera toujours partie de mon arsenal. De nombreux périphériques ont été testés et ont été écartés car ils ne méritaient soit pas grand intérêt soit n’apportaient pas un caractère spécial ou ne possédaient pas un recall fiable, point crucial.

Parle-nous un peu de ta toute dernière structure : FFWL MUSIC (From France With Love Music). J'ai cru comprendre que vous étiez "plusieurs sur le coup". Pourrais-tu nous en dire plus ? En terme de prestations, quel est votre rayon d'action ? Êtes-vous à même de suivre n'importe quel type de projet ?

FFWL est une société spécialisée dans le label services / music services : nous proposons tous les services & prestations dont les artistes et ou labels ont besoin : studio, image, vidéo, réseaux sociaux, direction artistique, stratégie globale, consulting sur leur carrière, management... Nous sommes un noyau dur d’ associés et avons un parterre de sous-traitants avec qui nous travaillons régulièrement : photo, clips, community management, prise, mix en constante augmentation. Nous sommes donc capables de gérer l’intégralité du processus de fabrication d’un single/EP/Album jusqu’à sa commercialisation sur les plateformes ou même en physique si les artistes le souhaitent. Tout est possible, c’est le client qui choisit dans notre panel de prestations tout en bénéficiant de notre aide via un audit très précis de son projet. Cet audit permettra de pointer les forces et les faiblesses du projet. Concernant l’aspect studio, plusieurs unités sont disponibles en France, toutes compatibles entre elles, capables d’œuvrer simultanément. Les studios sont basés à Paris (deux), Grenoble, Clermont-Ferrand (avec un résidentiel), Toulouse, et Marseille pour l’instant, mais nous cherchons en permanence de nouveaux partenaires pour étendre le maillage. L’idée est d’avoir un réseau avec la même façon de penser et de travailler, pour que les artistes ressentent qu’ils sont au centre de nos préoccupations, tout en leur disant la vérité sur l’état de leur projet et de sa capacité à être commercialisé.

Quand vous prenez un projet en main, est-ce qu'à un moment ou un autre, vous franchissez le pas pour faire aussi de la réalisation ? Y a-t-il un moment où vous dites "Stop" ?

La réalisation fait partie des services aux musiciens que nous proposons parmi les possibilités assez vastes du comment travailler avec nous. Il y a toujours un audit ou un rendez-vous préalable pour bien cerner les questionnements, les incertitudes de la part du client, on prend le temps de se poser avec lui avant de décider de travailler ensemble sur tout ou partie de son projet. L’accompagnement d’un artiste est passionnant mais nous ne sommes pas forcément toujours les meilleurs. Mieux vaut à ce moment-là se “contenter” de la prod studio, ou de l’image, ou de la stratégie globale, et le faire réaliser par d’autres. Tout est possible du moment que chacune des parties se sent à l’aise.

J’ai cru comprendre aussi qu'en plus d'être ingé son / producteur / réalisateur / etc, tu étais aussi musicien et que tu avais été aussi à l'origine du groupe Blyndshell. Pourrais-tu nous parler de ce projet ? Quelque chose se prépare aussi de ce côté là ?

Oui, effectivement, nous avons commencé il y a maintenant un certain nombre d’années un projet pop assez ambitieux avec Soazig, David, Stéphane et moi. Les influences sont très larges, avec un vocal lead féminin (Soazig), issu d’une culture musicale plutôt classique, qui est souvent à l’origine des premières maquettes avec moi, maquettes que nous arrangeons ensemble à trois ou avec d’autres intervenants. C’est l’esprit d’un collectif avec un noyau dur et c’est passionnant. Nous avions tourné il y a quelques années une session live dans le très beau studio Palace, à Moulins, dont nous avions extrait un premier clip live du titre “Lost Your Way”. Nous avons une vingtaine de titres en chantier, dont 4 sont actuellement en cours de finalisation (mixes finis, bientôt le master). La pandémie nous avait obligés à faire une pause car c’est un projet qui coûte cher à commercialiser, le temps d’y voir à nouveau clair dans l’industrie de la musique. Nous avons d’ailleurs fait comme nos clients, nous nous sommes attachés les services d’un chef de projet / D.A en la personne de Cyrille Totozafy, qui intervient très souvent pour “nos” artistes. Le résultat est enfin à la hauteur de nos espérances, grâce à cette collaboration. Nous sommes en train de plancher sur un concept de film musical autour de notre musique, en collaboration avec le réalisateur David Vital Durand qui a déjà de très beaux clips à son actif (Suède, Lokua Kanza, Elton John, Faudel...) ainsi qu’un très beau long métrage (Et mon cœur transparent).

Quand on voit des structures comme la tienne, on pourrait légitimement se dire que les tarifs doivent être stratosphériques. Alors justement parlons des choses qui fâchent : les tarifs. Quelle est votre grille tarifaire en fonction des différentes prestations que vous proposez (mixage, mastering, etc) ?

Lunaires même tu veux dire ! Plus sérieusement, je dirais simplement que la qualité et l’exigence ont un prix. Nous ne sommes ni bon marché ni hors de prix. Notre force est le faisceau de compétences au sein d’une même entité, avec des pros expérimentés capables de gérer tous les besoins d’un projet. Cela fait faire de belles économies sur un accompagnement global. Tu peux comparer avec un voyage dépaysant qui serait all-inclusive : le tout est très attractif et tu ne t’occupes de rien, cela a donc un certain prix, celui de la tranquillité et de l’efficacité. Tu viens avec ton talent, on s’occupe du reste ! Bien sûr, cela s’adresse à des artistes motivés, qui croient en leur projet avec un minimum d’implication et un budget réaliste pour ce qu’ils ont besoin / envie de faire. Nous avons décidé de proposer une boutique marchande de nos prestations classiques, tous les prix y sont, pas de bla-bla, pas de coûts cachés, tu peux payer et réserver en ligne directement ton studio selon la disponibilité et l’esthétique / le son recherché.

Je crois que parmi tous les professionnels du secteur que j'ai la chance de connaître, tu es un de ceux qui a le plus beau "magasin de jouets". à l'heure ou le plug-in prend une place de plus en plus importante dans les studios / home-studios, beaucoup affirme (à tort ou à raison), que le plug c'est l'outil absolu pour remplacer nos périphériques hardwares. Toi qui as connu et connais les deux environnements, quelle est ton opinion sur le sujet ? Fétichisme ou réalité incontournable ?

Chacun a son avis sur la question, exprimer le mien en me positionnant pour l’un ou l’autre des camps n’a que peu d’intérêt. Je peux te dire par contre, comme répondu en partie plus haut, que tout périphérique / traitement plug-in ou hardware / effet / machine qui ne permet pas en très peu de temps (maxi 2 secondes) d’avoir un résultat probant, est éliminé de notre setup ! Donc écoute comparative et décision. Exemple : en ce moment nous avons en prêt via la marque SPL, son equalizer très haut de gamme. Nous en sommes assez satisfaits, mais nous allons quand même le comparer avec un plug-in d'EQ de chez Weiss pour nous faire un avis objectif. Pourquoi j’ai choisi ces machines ? Parce qu’elles me permettent d’arriver avec un maximum de qualité et d’efficacité en un minimum de temps. Je vise surtout la qualité maximale avant la rapidité, laquelle vient en second plan et à égalité avec le recall. Nous avons beaucoup de nos machines en “répliques” plug-ins, il nous arrive de nous conformer rapidement avec ces derniers pour voir où l'on va, puis nous produisons pour de bon avec le hardware quand on a validé le tout avec l’artiste.

Justement parlons un peu process lorsque l'on vient s'offrir tes services. Je suis un client lambda et j'ai un ou plusieurs morceaux à faire mixer. De quoi as-tu réellement besoin pour éviter les classiques allers / retours inhérents aux personnes qui feraient pour la première fois appel à un professionnel ?

Il faut comprendre que ce qui évident pour le client est loin de l’être pour nous et inversement. Chacun a ses méthodes de travail et ses petites habitudes, et il faut arriver à s’adapter et faire un pas vers l’autre pour pouvoir communiquer et échanger de manière sereine et efficace. La plupart du temps, les problématiques sont souvent d’ordre musical, reliées à un contexte technique. Il faut bien discuter ensemble de l’export des fichiers audio destinés au mix, pour ne pas être surpris. En général, ce que je demande, c’est à avoir tous les fichiers audio en “wet” (tels qu’ils sont dans la session avec tous leurs effets) et aussi en “dry” (avec tous les effets enlevés), pour que je puisse choisir au moment où je mixe, réalise, finalise le titre. Bien évidemment, on prévoit des plages de validation à distance via le soft Audiomovers Listento avec un fil Whats App dédié au projet, pour pouvoir discuter des options et valider rapidement les choix.

On parle beaucoup du Dolby Atmos ces derniers temps, et il semble que cela soit en passe de devenir "la nouvelle norme". Quel est ton ressenti par rapport à ce qui pourrait être un standard dans un futur proche dans l'industrie du disque ? Quelle sera la réelle plus-value en ce qui concerne la musique ?

Je ne vais pas me faire beaucoup d’amis, mais je n’y crois pas une seule seconde ! Trop complexe de mise en œuvre, trop lourd à gérer en studio pour se re-équiper, et n’oublions pas que le support final est en binaural en grande majorité pour être compatible avec un casque. C’est en majorité une demande de majors pour vendre du fond de catalogue retapé à la sauce Atmos. Nous verrons bien... Il faut faire en vrai deux mixes si on est un peu ambitieux, un stéréo, et un Atmos où on peut se lâcher sur la spatialisation. Arriver avec des stems pour le faire me paraît vraiment inintéressant.

De plus en plus de services en ligne voient le jour et proposent du mixage ou du mastering en ligne. Quelle est ta vision de ce nouveau marché ? Quid de la qualité ?

La pandémie n’a fait qu’accélérer le phénomène : on travaille tous depuis de nombreuses années à distance, car finalement peu de clients aiment venir à des séances de mix, et encore moins de mastering : ils ne connaissent pas l’écoute, ne savent pas quand vraiment intervenir, n’ont pas forcément de recul par rapport à des prises de décisions rapides en séance. De plus avec l’apparition de streamers qui permettent en temps réel d’écouter le mix fait en studio, donne un confort maximal à tout le monde. C’est pour cela également que nous avons mis en place un booking en ligne pour du travail de mix, master, prod, formation à distance. Le niveau de qualité est rigoureusement le même qu’en présentiel, nous ne sous-traitons pas dans des contrées lointaines avec des ouvriers en rang d’oignon avec un casque :-)

Sur de très nombreux forums, beaucoup semblent rester plus que dubitatifs quant à l'intérêt "d'aller chercher" la qualité sous prétexte que ça finira sur Youtube ou Soundcloud par exemple. Les plateformes de diffusion ont-elles fait décroitre la qualité des productions ? La Loudness War et tout ce qui s'en suit ne sont-ils pas devenus un problème majeur pour les ingénieurs du son ou de mastering ?

Je pense plutôt l’inverse ! Plus la qualité sera grande, meilleure sera la production, et plus vous noterez la différence avec un projet bâclé mal ficelé sans vison artistique et commerciale. Même en basse qualité cela s’entendra toujours, il n’y a qu’à écouter le son des grandes productions passées ou actuelles, il y a une énorme différence avec les prods moyennes ou bas de gamme. La qualité paiera toujours, il n’y a rien à promouvoir sans ça.

Quels petits conseils pourrais-tu donner à celles et ceux qui seraient tentés de venir te voir pour du mix ou un mastering ? Je suppose que beaucoup de jeunes artistes font plus ou moins les mêmes "erreurs". Quels sont pour toi les écueils qu'il faut absolument éviter ?

Déjà en premier, le conseil est toujours gratuit ! Chaque fois qu’il est possible dans notre planning de venir en aide à quelqu'un, on essaiera toujours de le faire, même si parfois, les gens ne travailleront pas avec nous. Le plus important reste la confiance que l’on établit lors des premiers échanges. Je suis assez direct, et je dis ce que je pense être juste et constructif pour l’artiste qui vient me voir, quitte à ce que l’on décale notre collaboration pour qu’il ait le temps de peaufiner les choses vues ensemble.

Un grand merci à toi pour nous avoir accordé de ton temps, et longue vie à toute l'équipe de FFWL !!

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